大提琴（意大利语：Violoncello；英语：Cello）是一种弓弦乐器，属于提琴家族乐器之一，除可担当独奏外，在室内乐、弦乐团和管弦乐团中也负责低音弦乐的部份。

大提琴最早是由古低音中提琴（viola da gamba）发展而来。在17世纪初期，意大利制琴师沙罗和安德烈·阿玛蒂将其改进，发明了更符合演奏需要的大提琴。至18、19世纪，大提琴已经成为了西方乐器家庭中不可或缺的重要一员。20世纪，随着现代音乐的发展，大提琴的使用范围更加广泛。大提琴家和制造商不断进行创新和实验，开拓新的音乐风格和技术。目前，大提琴依然是室内乐、交响乐和独奏音乐的主要乐器之一，同时也在各种不同的音乐类型中得到广泛应用。21世纪初，一些大提琴家开始使用电子设备和技术来增强其音色和效果，例如电子放大器和效果器等。这些技术的出现使得大提琴在现代音乐中的应用更加广泛和多样化。

大提琴通常有四根弦，从低音到高音依次C弦、G弦、D弦和A弦。大提琴的A弦发音华丽有力，富于歌唱性，D弦音色较朦胧，G弦、C弦低沉响亮，能够承担乐队的非常沉重的音响。大提琴拥有宽广的音域，是乐器中使用谱号最多的乐器之一，大提琴那极具人类情感的音色，征服了众多听众，并逐步被人们所接受和喜爱。

大提琴是由古低音中提琴（Viola de gamba）演变而来的，自16世纪以来即流行于世。现如今大提琴的含义在意大利语当中，是“小的维奥尔琴”的意思。viol琴是一种弓弦乐器的总称，而viola de gamba本身是viol维奥尔琴的又称。gamba”一词在意大利文中是指“腿，下肢”，因此这件乐器属于维奥尔琴(Viol)家族中的一员。大提琴最早被命名为低音小提琴，直到18世纪初，小尺寸的大提琴成为了提琴制作模型的基准，大提琴(violoncello)这个名字也就被采用了，现在使用的大提琴的名称Cello是1680年在意大利确定的。后来各国开始使用起来，直到现在。

在远古时期人们以打猎为生，偶然发现弓在射出箭的一瞬间会产生振动声音，弓的硬度、大小和材料都会影响声音的高低。在这个基础上，弦乐器开始形成，但只是拨弦乐器。现代弓弦乐器大约在公元前9世纪从中亚地区发展起来，它的始祖是一种在当地非常盛行的叫kamancheh的乐器。阿拉伯商人将其带到中国后，它演变成为二胡家族。传入欧洲后，它发展成为提琴家族。在16世纪初具备了提琴的雏形，演变成为“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴（violadegamba）”，属于提琴家族的中低音乐器。而提琴家族的起源是与意大利城市Cremona的制琴工艺有关。

16世纪意大利著名提琴制作家沙罗和安德烈·阿玛蒂(1530--1611)是最早制作大提琴的人。大提琴最早是由古低音中提琴（viola da gamba）发展而来。大提琴在当时的名称为「Viole da Braccio」，早期的大提琴只有三条弦（F-c-g），不久便扩充为四条（降B’-F-c-g）。后来也有五弦、六弦琴（viol）出现，不过都不符合一般演奏的习惯，实用性不高。所以后来，又综合了维奥尔琴的优点，发展出现代大提琴的格式（C-G-d-a）。

到了17-18世纪，制琴师安东尼奥·斯特拉迪瓦里，为大提琴进行了一系列改良，直到现在我们使用的大提琴都是以他创作的b型琴为原型的。当时的大提琴演奏只局限于宫廷、皇室，宴会厅等地区。后来为了满足日益变化的听觉需求，以及更多公开的演出，人们需要这件乐器的声音更加具有穿透力，音量更大，性能上更便于演奏。斯特拉迪瓦里对大提琴的指板进行了改良，使它的外形变得更加坚硬，体型更长。改善了以前音域不宽的问题，后来斯特拉迪瓦里还进行了一些体积的改革，将琴的上半身削减地更瘦小，便于发出穿透力的声音。从此以后，大提琴才登上了独奏的舞台。

自18世纪大提琴家多曼尼科·多布里埃利（Domenico Gadrielii）创作了第一首大提琴独奏曲以来，就有不少作家专门为大提琴创作乐曲，如18世纪的安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Lucio Vivaldi）、朱塞佩·塔替尼（Giuseppe Tartini）等作曲家，他们都曾经模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲。一直至18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们，如弗朗茨·海顿、沃尔夫冈·莫扎特、路德维希·范·贝多芬、弗朗茨·舒伯特、罗伯特·舒曼、安东·德沃夏克以及彼得·柴可夫斯基等都大量创作了大提琴独奏曲、协奏曲和大提琴声部的室内乐，这使大提琴的性能与技巧得到充分的发挥。

19世纪时期，由于大提琴在演奏上基本还是沿用古低音提琴维奥拉的持琴姿势。演奏时演奏者将琴身夹在两腿之间,用这种姿势演奏,十分不便，也严重的制约着大提琴演奏技巧的进一步发展，直到19世纪上半叶，当时的比利时大提琴家塞尔威(1807--1866)发明了大提琴支柱，这才使大提琴的演奏变得更为轻松方便。更改过后的琴体更加稳定,也增强了演奏的准确性、灵活性。

20世纪初，大提琴制造技术和材料得到了很大的改善。制造商开始使用更好的木材和胶合板，这使得大提琴音质更加平衡和稳定。新的弦线和配件也被开发出来。与此同时，现代化的音乐形式如爵士乐、布鲁斯和流行音乐涌现，对传统大提琴音乐产生了一定影响。在20世纪，大提琴音乐教育也逐步从私人教学转向学校和音乐院。许多著名的大提琴家成为大提琴教育的领导者，并为培养下一代大提琴家提供了良好的环境和机会。

在20世纪末期和21世纪初，一些大提琴家开始使用汽车传感器和技术来增强其音色和效果，例如电子放大器和效果器等。这些技术的出现使得大提琴在现代音乐中的应用更加广泛和多样化。除了放大器和效果器，在数码音乐技术的支持下大提琴家还开始对大提琴进行采样，并将采样的音乐材料进行处理，以创造出各种独特的音色和声音效果。同时，一些大提琴演奏家也开始探索电子乐器和合成器的应用，如电子大提琴、碳纤维大提琴等。将大提琴与现代电子乐器融合，使其在舞台和录音室中都能产生出更具冲击力和感染力的音乐效果。

德国从1680年的宫廷管弦乐队开始使用了大提琴。但起初活跃在德国的大提琴演奏家大多是意大利人,德国本国的大提琴演奏家却很少为世人知晓。到了18世纪，德国大提琴家人数才急速增长，大部分人都被宫廷乐队雇佣。其中最著名的是巴赫家族的约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）。巴赫被誉为大提琴音乐史上最伟大的作曲家之一，他的作品为大提琴带来了新的表现形式和技术挑战，也为后来的大提琴演奏家提供了丰富的演奏素材和演奏技巧。

大提琴在俄罗斯的发展历史可以追溯到18世纪。当时，俄罗斯的贵族和皇室成员开始聘请欧洲的演奏家和制琴师，引进了大量的大提琴和其他西方乐器。19世纪初，俄罗斯开始形成自己的音乐风格和传统，大提琴也成为了这一时期音乐中不可或缺的一种乐器。著名的大提琴家和教育家卡尔·达维多夫（Karl Yulievich Davydov）在19世纪中叶开始在俄罗斯推广大提琴教育，并为俄罗斯培养了一批杰出的大提琴家。20世纪以来，俄罗斯的大提琴家和作曲家在国际上也获得了广泛的认可和赞誉，同时，在俄罗斯，大提琴也被广泛应用于交响乐队、室内乐团、民俗音乐等不同领域。

在美国，大提琴的发展历史可以追溯到18世纪末和19世纪初。当时，欧洲的演奏家和制琴师开始移民到美国，带来了大提琴这一乐器。在19世纪中叶，美国的大提琴家开始在音乐界崭露头角。20世纪初，大提琴开始在美国的音乐院校中得到更广泛的认可和使用。此外，20世纪以来，美国的大提琴家也在世界范围内获得了广泛的认可和赞誉，如格里高利·皮亚蒂戈尔斯基（Gregor Piatigorsky、Leonard Rose）、马友友（Yo-Yo Ma）等。同时，在美国，大提琴也成为了交响乐队、室内乐团、爵士乐队等不同类型乐团中不可或缺的一种乐器。

大约在 20 世纪初，大提琴已流传于中国，中国的作曲家创作和改编的大提琴作品不断涌现出来，中国最早的一首大提琴曲是萧友梅创作的《秋思》，而大提琴演奏家演奏的大提琴曲也随之不断而出。比如：《嘉陵江上》《新春乐》《四野》《欢乐舞曲》《逝去的时光》《二泉映月》等。

大提琴是一种由木质、金属丝和马尾构成的乐器。大提琴结构包括琴头、弦轴、琴颈指板、面板、侧板、背板、琴弦、音孔、琴码、系弦板和琴腿等部分。大提琴的四根琴弦分别是a弦、d弦、G弦和C弦，音色各有特点，是管弦乐队不可或缺的次中音和低音乐器。琴身由枫木和云杉制成，可以产生出绝佳的音色。琴弦是由金属丝构成，在演奏时可以发出悠扬的乐声，并且有助于扩散音域和形成宽广、深厚的效果。琴弓由马尾制作而成，弹性增加，可以产生出和谐而美妙的音色，与听众形成共鸣。

五弦大提琴

5弦大提琴是指在传统的4弦大提琴基础上增加了一根低音弦，通常调弦为C-G-D-A-E，也可以调整为其他音高。它可以扩展大提琴的音域，同时也能够更好地演奏些低音乐曲。5弦大提琴的结构和形状与传统的4弦大提琴相似，但是由于需要加入额外的一个弦，所以在琴盒的宽度和重量方面会稍微有所不同。

巴洛克大提琴是一种使用巴洛克式演奏技巧的大提琴，它的外形和现代大提琴有所不同，通常使用羊肠弦，音色更加柔和、温暖。它通常比现代大提琴轻一些，且桥的形状、琴杆和琴弓的设计也与现大提琴不同。巴洛克大提琴还包括一个较短的尾框和没有钩儿。在演奏巴洛克时期的音乐时，许多演奏者会使用巴洛克大提琴，以在音乐风格、声音和表演方式方面更好地还原那个时期的特点。

电子大提琴是一种使用电子技术制造的大提琴，它通常使用电磁拾音器等设备来放大声音，并且可以通过汽车传感器进行音色调节和效果处理，具有更加丰富的音色和表现力。

碳纤维大提琴是一种使用碳纤维材料制造的大提琴，相比传统的木质大提琴，它更轻便、耐用，并且不受气候变化的影响。碳纤维大提琴的音色也因其材料的特性而有所不同，具有更加均匀、清晰的音色。

大提琴的音色悠扬，琴弦的音色含情，旋律动人。特别人性和自然，能较好地反映人的情感。大提琴和小提琴或其它弦乐器家族成员一样，都有四根弦，音域约为四个八度，音高比中提琴低八度（C－G－d－a），乐谱通常用低音谱表，在较高音区有时用中音谱表，有时也用高音谱表。大提琴的第一根a弦发音华丽有力，富于歌唱性，第二根d弦，音色较朦胧，第三、四弦（G、C）低沉响亮，能够承受乐队的非常沉重的音响。它的发音原理虽然与中、小提琴相同，但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同，尤其是在高音区时能用拇指把位演奏。

大提琴的记谱

大提琴的记谱采用的是低音谱。一般情况下，大提琴乐谱的五线谱上方会有一个数字“8”，用来表示乐谱上的音符要比实际音高低八度，也就是说，谱中看到的是低音，但演奏时需要弹奏出相应实际音高的音符。在大提琴五线谱上，每个音符都有一个排列位置，可以通过这个位置来确定音符的音高。左边的低音区域，可以画一条虚拟直线，从低音区的第二根线（借土号线）开始，然后连接到谱头右上角的符号，即低八度挂号或者数字“8”。大提琴五线谱中第二根线以下的区域，都可以用防止在低八度音域的时候使用。当低音部分结束之后，在普通的五线谱上面就演奏中高音部分了。

低音谱号

低音谱号，又叫“F谱号”，是因为它的中心（螺旋圈的开始处及两点之间）处于五线谱的第四线上，而第四线在低音谱表上是F音的位置。不考虑加线和重升重降号的话，低音谱表的音域范围是大字组的Gb到小字组的A#：

次定音谱号

次低音谱号（英文缩写为"m-2"）在五线谱上的螺旋开始处在第四根线上，它的音域范围大约是从Eb到中音的F#。因为次低音谱号音域跨度广，音符也较少使用，所以通常只用于管弦乐或声乐领域中。

中音谱号

中音谱号，又叫“C谱号”，是因为它的中心处于五线谱的第三线上，而第三线在中音谱表上是C音的位置。不考虑加线和重升重降号的话，中音谱表的音域范围是小字组的Fb到小字一组的G#：

高音谱号

高音谱号，又叫“G谱号”，是因为它的中心（螺旋圈的开始处）处于五线谱的第二线上，而第二线在高音谱表上是G音的位置。不考虑加线和重升重降号的话，高音谱表的音域范围是小字一组的Eb到小字二组F#：

大提琴的演奏对左手与右手的协调性要求比较高，手型的运用在大提琴的演奏中是非常复杂的，相对于大多数演奏者而言，右手与左右相比较为灵活，但是在大提琴的演奏中，仅仅使用右手是远远不够的。应该要尽量的锻炼左手与右手的协调性，实现左手与右手指尖的配合，无论左手放在什么把位上，都要保证正确的姿势，正确的姿势应该是弧形的形状，以此来保证最大程度上的减少左手的动作，提升左手指在演奏中音准的正确性。

揉弦是大提琴演奏中较为复杂的技法，演奏时需要将手指、手腕与手臂之间的协调程度最大化，首先要把握好手指的紧张与松弛程度，其次要掌握好手腕的顿抖规律，最后对手臂的颤抖规律也要进行严格的练习。在进行揉弦的练习中，要保持平和的心态，稳定的按照步骤来进行。

在大提琴的演奏中，换把是一项复杂的技法，在演奏中，首先要做好换把的准备，对于音域较近但换把距离较远的时候，主要是对腕部进行准备，其次是进行远距离的换把，要做好肘部、手臂和手指间的配合，在进行换把的时候，手指要放松，不能用力，同样还要注意换把的速度，不可急躁，保证换把的过程中音准不能出现偏差。

把位

大提琴的把位是指在弦上按下手指的位置。大提琴在指板上共有4个把位，分别是一把位、二把位、三把位和四把位。每个把位之间相隔一个全音，也就是两个半音。按下不同把位可以产生不同的音高，从而演奏出不同的音乐曲目。初学者需要逐渐熟悉各个把位的位置和音高，并逐步掌握按下正确的位置和力度来使出清晰准确的音色。

米沙·麦斯基（Mischa Maisky）是世界上唯一一位有幸随当代两位大提琴巨匠姆斯季斯拉夫·罗斯特罗波维奇(Mstislav Leopoldovich Rostropovich)和皮雅蒂戈尔斯基(Gregor Piatigorsky)研习琴艺的大提琴家。罗斯特罗波维奇称赞米沙·麦斯基为：“年轻一代大提琴家中最杰出的天才之一。他的演奏融诗意、优雅的精致与高贵的气质和辉煌的技巧于一体。” 米沙·麦斯基是当今除罗斯特洛波维奇和马友友之外最富盛誉的演奏大师之一，他的演奏往往突出亮丽的效果，琴音富有变化。米沙·麦斯基演奏事业中最光辉的一页是2000年的全球巡回表演，主要演奏约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品，共演出了一百多场。为了表示对这位伟大作曲家的仰慕，他三度灌录巴赫的《独奏组曲》，并制成唱片。他的唱片在全球都赢得好评，且获奖无数，包括五度夺得东京的唱片大赏、三度夺得德国唱片回声奖、巴黎的唱片大奖、法国的年度金唱片奖，并多次获提名竞逐格莱美奖。

姆斯蒂斯拉夫·列奥波尔多维奇·罗斯特罗波维奇，（俄语：Мстисла́в Леопо́льдович Ростропо́вич，1927.3.27--2007.4.27），俄罗斯著名的指挥家、大提琴演奏家。1910年以金质奖章毕业于圣彼得堡音乐学院，很早就开始演出、教学生涯。1963-1964年莫斯科爱乐演出季中，罗斯特罗波维奇演奏了40部大提琴协奏曲，其中18部苏联首演、15首题献曲。1970年10月31日，他写信给《真理报》声援被流放的获得诺贝尔文学奖的亚历山大·索饵仁尼琴，而被禁止演出。1974年他带妻子和两个女儿逃离苏联，后定居美国。1978年他们被剥夺苏联国籍。1990年1月被恢复俄罗斯国籍。他的演奏音色浓郁、雄浑，极富于戏剧性的表现力，技术炉火纯青，任何难题都不在话下，几乎为所有大提琴保留曲目都录了音。既能为妻子维谢尼甫斯卡娅的独唱弹伴奏，也能指挥歌剧和交响乐的演出，而且还写了许多室内乐作品。

马友友，1955年10月7日出生于法国巴黎，大提琴演奏者，毕业于哈佛大学、茱莉亚学院。1959年，由父亲启蒙学习大提琴，并和家人迁居纽约。1962年，参加了为筹建华盛顿文化中心举行的巡回义演音乐会，美国总统约翰·肯尼迪夫妇出席晚会。1971年，16岁的马友友在纽约卡内基音乐厅举行独奏音乐会。1976年，他从哈佛大学毕业，取得人类学学位。1985年，首次获得格莱美奖最佳乐器独奏奖（无交响乐团）。1991年，哈佛大学授予他荣誉博士学位。1998年，《马友友的巴赫灵感》问世。1999年，与巴伦波因合作，和中东音乐家们组成的“中东青年管弦乐团”一起在德国威玛演出，同年获得顾尔德奖。1997年，马友友费时多年完成一项将巴赫无伴奏大提琴组曲结合多种表演艺术的创新诠释。内容不仅包含他本人在世界各地音乐会演出、巴赫无伴奏大提琴组曲重新录音，更重要的是以“巴哈灵感”为题的内涵。演出共分成六部组曲各一的六部影片(六部组曲各一)，和不同领域的艺术家创造出新风貌的巴哈。影片在“公共电视台”及全球各大电视网播出，获多项奖项，其中包括两项艾美奖、加拿大双子星奖16项提名及许多国际影展大奖，由新力古典发行录影带。在乐器中，大提琴是最接近“人声”的奇妙乐器，马友友的琴声将其“人声”的灵性发挥出来。

杰奎琳·杜普雷（Jacqueline Mary du Pré，1945.1.26-1987.10.19），英籍大提琴家。杜普雷五岁即展现过人禀赋。十六岁开始职业生涯，才华与年龄的落差倾倒众生；1973年，杜普雷被确诊罹患多发性硬化症，遂作别舞台，卒于盛年。 鲜花与不幸是同时降临到这个原本普通的家庭的。这个为音乐而生的人，非但走不出自身人格的阴霾，还因此而侵害到至亲：对母亲从倚赖到敌视。她用的最久的一把琴叫大卫朵夫（Davidoff），她的故事在1998年改编为电影《她比烟花寂寞》。

丹尼尔·沙弗兰（Daniil Shafran，1923 - 1997) 1923年出生在圣彼得堡一个音乐世家。是苏联及俄罗斯地位仅次于姆斯季斯拉夫·罗斯特罗波维奇的国际水准的大提琴大师，他和罗斯特罗波维奇构成了苏俄大提琴艺术的当代巅峰。在父亲启蒙下六岁习琴。八岁开始在天才儿童音乐学校跟从亚历山大·施特里默尔(Aleksander Shtrimer)学习。两年之后，在一次音乐学院的音乐会中，他演奏了波佩尔(Popper)的两首难度相当大的作品：《春之声》和《精灵之舞》，这是他的第一次公开演出。他的第一次与管弦乐队合作的公演是11岁那年，作品是《洛可可主题变奏曲》。由英国来访的指挥家艾伯特·科茨(Albert Coates)指挥列宁格勒爱乐乐团伴奏。

安东尼奥·斯特拉迪瓦里（Antonio Stradivari）制作的大提琴被认为是现代最好的大提琴之一。斯特拉迪瓦里是意大利克雷莫纳地区的一位制琴大师，他在17世纪末到18世纪初期制作了超过1100把弓乐器，其中包括450多把大提琴。这些大提琴音质优美、音色透彻，被誉为钢琴家对应的大提琴。斯特拉迪瓦里的大提琴因为稀少而极其昂贵，据说其价格高达数百万美元。

徐弗 ，男，1931年9月出生，全国劳动模范，提琴设计高级工艺美术师，著名提琴制作大师。1946年开始在提琴制造厂当学徒，从此开始了乐器制作生涯。该同志曾任广东乐器厂厂长，是红棉牌提琴创始人之一，从事中、西乐器研究制作长达66年之久。

郑荃 ，国际提琴制作大师、中国提琴制作学派开创者、中央音乐学院提琴制作研究中心创始人。他曾获得由文化部和轻工业部联合授予的"中国提琴制作大师"称号，是全国乐器行业获得轻工"大国工匠"殊荣的第一人，是被国际提琴协会授予"国际提琴制作大师"称号的中国第一人。

大提琴交响乐蕴含着深层的意境与意韵，具有其它音乐艺术不可替代的审美价值，它可以使人的情感变得更丰富，使情感的世界更有内涵和深度,使人获得一种精神的超越。在交响乐的演奏中正确的运用情感因素，可以帮助演奏者准确把握节奏，节拍与演奏速度，准确把握演奏中的音准与发音，提升交响乐演奏技巧的表现力。

大提琴在管弦乐中通常担任低音部分的演奏，是管弦乐队中不可或缺的乐器之一。它的音域广阔，既可以演奏低沉的低音，也可以演奏高亢的高音，同时还有丰富的音色变化和表现力，可以演奏出悲壮、欢快、温柔等不同的情感表达。在管弦乐队中，大提琴通常与小提琴、中提琴和低音提琴等弦乐器配合演奏，共同营造出丰富多彩的音乐效果。

大提琴作为西洋乐器的独奏乐器之一，有着“音乐贵妇”之称，大提琴总是以美丽的音色给人们带来快乐，特别是能给心灵带来一种流动的美感。随着社会的不断发展,交响乐的乐器备受人们的欢迎。其中大提琴更是成为人类生活中不可缺少的重要组成部分。许多音乐家将大提琴独特的声音融入自己的音乐作品中，把大提琴的艺术技巧提升到了一个更高的水平。大提琴既有拟人化的外形，又有拟人化的声音，更赋有作用于人的精神。可以说，大提琴在西洋乐器中是人格化的典范，更是人类精神沟通和传播文化的工具。

大提琴在新媒体领域的应用主要包括社交媒体上分享演奏视频、在音乐流媒体平台上发布音乐作品、电影中插曲的运用等。如马友友演奏的大提琴版《巴赫C大调前奏曲》在新的传媒方式的帮助下在全世界得到了非常广泛的传播。这些应用让更多的人了解和欣赏大提琴的美妙音乐，同时也为大提琴演奏家们拓宽了展示和传播自己作品的渠道。

大提琴比赛的起源可以追溯到19世纪，但是最早的大提琴比赛具体时间不详。在19世纪，大提琴演奏逐渐受到重视，演奏家们开始在各种音乐比赛中展示自己的才华。随着时间的推移，大提琴比赛逐渐增多，并成为一种重要的音乐活动。在20世纪，一些国际性的大提琴比赛开始出现，例如1931年举办的日内瓦国际大提琴比赛和1935年举办的布鲁塞尔国际大提琴比赛等。这些比赛为大提琴演奏家提供了展示才华的舞台，也促进了各国之间的大提琴交流和合作。在20世纪后期，大提琴比赛开始在中国举办。1985年，中央音乐学院在北京举办了中国首次大提琴比赛，标志着中国大提琴事业的重要发展。此后，中原地区各地陆续举办了各种形式的大提琴比赛，为大提琴演奏的推广和发展提供了良好的平台。

比利时伊丽莎白女王音乐比赛

比利时伊丽莎白女王音乐比赛创建于1937年，是最具影响力和权威性的国际音乐比赛之一，比赛共包含小提琴、钢琴、声乐和大提琴四个项目，每年举行其中一项。2022年6月，中国大提琴家陈亦柏摘下比利时伊丽莎白女王音乐比赛银奖。

大提琴制作是一门古老的艺术，其传承历史可以追溯到欧洲文艺复兴时期。大提琴制作需要精湛的技术和经验，通常也是通过师徒制度进行传承。年轻的学徒会跟随经验丰富的大师学习如何选择木材、制作大提琴零件、搭配琴弦等技能。这些技能需要长期的实践和锤炼，因此传承通常需要数年甚至数十年的时间。

意大利是大提琴制作的发源地之一，尤其是在17世纪和18世纪时期，意大利的制琴师们制作出了一些世界上最著名的大提琴，如安东尼奥·斯特拉迪瓦里等。这些大师们的制琴技艺和风格对后来的大提琴制作产生了深远的影响，他们的作品至今仍被视为最优秀的大提琴之一。

英国的大提琴制作可以追溯到18世纪，当时英国的制琴师们开始模仿意大利和法国的制琴风格，并逐渐发展出自己的风格和技艺。英国大提琴制作以其细腻的工艺和独特的音色著称。英国制琴师们通常会使用本土的木材，如英国橡木和枫木，这些木材具有独特的纹理和音色，可以为大提琴带来更加丰富的音色特点。此外，英国制琴师们也注重大提琴的外观设计，他们会在琴身上雕刻精美的花纹和图案，使大提琴更具艺术价值。

2019年5月5日，由中央音乐学院和中国乐器协会主办，中国乐器协会提琴制作师分会和中央音乐学院提琴制作研究中心承办的第四届中国国际提琴及琴弓制作比赛在北京举行。中国国际提琴及琴弓制作比赛自2010年举办以来，每3年一届的比赛，推进了中国大提琴制作技术和艺术的进步。